бенуа и сомов2

20 Февраль 2014 →

Работа Сорокиной (Сумериной) Анны

Тема: К. Сомов, А. Бенуа

1890 год – рубеж, в котором появилось новое поколение художников. Ломаются едва ли не все устоявшиеся традиции живописи, графики, скульптуры и прикладного искусства.

Появилось объединение «Мир искусства». Создавая новые формы художественной жизни, участники вносили в русскую изобразительную культуру новые идеи, новую эстетику и новые творческие принципы.

Возникло «Мир искусства» в Петербурге вначале 1890-х гг. главную роль в этом кружке играли А.Н.Бенуа, впоследствии художник, историк искусства, критик и музыкальный деятель; К.А.Сомов – участник Академии художеств, будущий график и живописец; и др. Все они оказывали влияние на текущую художественную жизнь.

Основным ядром выставок неизменно остались работы живописцев и графиков – Сомова, Бенуа и их ближайших соратников. Именно в их среде сформировалось своеобразное художественное течение, за которым в нашем искусствоведении издавна закрепилось наименование «Мир искусства».

БЕНУА (1870-1960).

А.Бенуа – идеолог и теоретик «Мира искусства», человек яркого дарования, обширных и разносторонних знаний. В нём наиболее полно и отчётливо воплотился новый сложившийся в среде «Мира искусства» характерный для этого объединения тип художника – эрудита, знатока истории искусства, открывателя и истолкователя забытых эстетических ценностей.

Статьи Бенуа, преклонявшегося перед красотой старого Петербурга, явились для тогдашних читателей подлинным откровением.

Бенуа стал одним из наиболее известных русских критиков. К его мнению прислушивались и художники, и публика.

Обращаясь к темам истории, они желали передать неуловимый аромат и очарование ушедшей эпохи, но это не было главной целью. В художественных образах прошлого они стремились воплотить душевный мир людей своего круга с их болезненной надломленностью, неудовлетворённостью, разочарованием в окружающей действительности, с их мечтой о невозвратимом былом.

Бенуа и его друзей привлекали образы западноевропейской культуры – Версаль Людовика 14, сентиментально-романтическая Германия, итальянские маски. Однако, главным источником сюжетных мотивов оставалась всё же русская жизнь, петровские времена, русский 18 век и пушкинская эпоха, екатерининский и александровский Петербург, старинная русская усадьба.

В их («Мир искусства») среде процветал культ Петра 1, как основоположника новой, европеизированной русской культуры, культ Петербурга как средоточия этой культуры и культ Пушкина как самого значительного и наиболее типичного выразителя всего «петербургского периода» русской истории.

Ретроспективные произведения этого мастера основывались на его необыкновенной эрудиции. Но Бенуа был не только ученым историком культуры, несравненным знатоком искусства и быта излюбленной им эпохи. Подобно Сомову он обладал способностью интуитивно «переселяться в прошлое», воспринимать его как бы глазами очевидца, и признавался, что ему легче и проще нарисовать какого-нибудь современника Людовика 14, чем своего собственного современника. «У меня и отношение к прошлому более нежное, более любовное, нежели к настоящему. Я лучше понимаю тогдашние мысли, тогдашние идеалы, мечты, страсти. . .» - писал Бенуа.

Излюбленной темой Бенуа был Версаль времен Людовика 14. Художник неоднократно обращался к этой теме (1897, 1905, 1906, 1914, 1922). Именно в этих работах особенно чётко выступают характерные черты его творческого мышления.

Подобно иллюстратору или художнику театра, он последовательно раскрывал в циклах этюдов и композиций разнообразные аспекты и грани задуманного им образа, создавая, ряды как бы сменяющих друг друга архитектурно-пейзажных сцен и иногда наполняя их стаффажными фигурами, одетыми в старинные костюмы. Существенно подчеркнуть, что фигуры именно стаффажи. Они лишь оживляют пейзаж, не внося в него драматического действия и не вынуждая художника углубляться в разработку сюжета или психологии действующих лиц. Крошечные фигурки короля и его свиты, затерявшиеся среди версальских пространств, служат лишь целям воссоздания атмосферы старины и театрализованного придворного этикета.

Настоящими «героями» картин Бенуа становятся не люди, а произведения искусства, грандиозные статуи и фонтаны версальского парка, эффектный и торжественный массив королевского дворца. Едва ли мы ошибемся, расшифровывая затаенную мысль художника: люди – малы, ничтожны, бренны, искусственно-величественно и бессмертно.

Впрочем, тематика исторических картин Бенуа, отнюдь, не ограничивается образами западноевропейской культуры. В 1907-1910 гг. по заказу московского издательства И.Кнебель он выполнил большую серию так называемых учебных картин, посвященных русскому 18 веку. Они были предназначены служить наглядным пособием при изучении истории, и, конечно, никто не мог справиться с подобной задачей лучше, чем Бенуа, с его глубоким знанием быта и материальной культуры прошлого. Сделанные им иллюстрации воссоздают ряд историко-жанровых сцен из военной, придворной и помещичьей жизни. Среди них можно назвать две работы, принадлежащие к числу выдающихся: «Парад при Павле 1» (1907) и «Петр1 на прогулке в летнем саду» (1910).

В сравнении с версальскими циклами работы Бенуа на русские темы обладают некоторыми специфическими особенностями. Они не столько изысканы по форме и более реалистичны. Художник уделяет больше внимания бытовой и психологической характеристике своих персонажей, воссоздавая интимный облик минувшей жизни, которая передана с подлинной исторической достоверностью.

В замысле картин «кнебелевской серии» можно заметить известную перекличку с исторической живописью Серова, а подчас и огромное влияние последнего. Но типичная для Бенуа театрализация прошлого сохраняется и здесь.

Общие принципы творчества Бенуа непосредственно связаны с сомовскими. Стилизаторские и декоративно-графические тенденции тесно сближают обоих художников. Театрализация композиционно-пространственных настроений выступает у Бенуа, быть может, даже отчетливее, чем у Сомова. Но Бенуа внес в искусство нечто вполне самостоятельное и новое: он стал основоположником особого жанра, который можно было бы назвать «историческим пейзажем». Преобладающую часть художественного наследия Бенуа составляют пейзажи. Однако его интересовала не только сама природа, сколько её ассоциативные связи с историей. Он чаще всего изображал исторические местности, старинные города, знаменитые памятники зодчества и дворцовые парки, украшенные скульптурой. Обширные циклы работ посвящены им Павловскому, Петергофу, Ораниенбауму, Царскому Селу и старому Петербургу. Основу его многочисленных работ всегда составляют внимательные и точные этюды, сделанные непосредственно с натуры. Однако натурные студии Бенуа служили ему лишь подготовительным материалом для будущего художественного построения. Он сознательно изменял реальные пропорции, перестраивал композиционные отношения и усиливал цветовые контрасты. Конкретно наблюденный пейзаж превращался в подобие театральной декорации с фланкирующими кулисами, задником и сценической площадкой.

Бенуа оказал значительное влияние на русский театр. На склоне лет Бенуа признавался в своих воспоминаниях, что в течении всей жизни испытывал чувство, которое трудно назвать иначе как культом театра – и в его сознании понятия «художественности» неизменно ассоциировалось с понятием «театральности».

Иллюстрации Бенуа к «Пиковой даме» Художник подробно, продуманно, с любовью воспроизводит городскую архитектуру, костюмы, быт пушкинского времени. В иллюстрациях заметно и влияние театра: над игорным столом в шестой главе пролетают вполне театральные Чёрт и Фортуна, а завершающая листовая иллюстрация — Смерть задёргивает театральный занавес и гасит свечи, последний музыкант уходит из оркестровой ямы — рождает прямую аналогию с концом спектакля.  Хотя впоследствии критики не раз отмечали недостатки иллюстраций к «Пиковой даме», «графический наряд» которой представлялся им слишком пышным, картинным и несколько тяжеловесным для «нагой прелести» пушкинского текста, тем не менее выход книги стал значительным событием русской художественной жизни начала XX века, а современники Бенуа видели в ней живое воплощение духа артистизма.

В первые десятилетия 20 века сделаны рисунки к "Медному всаднику" – лучшее, что создано за всю историю иллюстрирования Пушкина.

Бенуа начал работать над "Медным всадником" в 1903 году. В течение последующих 20 лет им создан цикл рисунков, заставок и концовок, а также огромное количество вариантов и набросков. Первый цикл иллюстраций состоял из 32 рисунков, выполненных тушью и акварелью.

В новых рисунках к «Медному всаднику» тема преследования Всадником маленького человека становится главной: черный всадник над беглецом –олицетворение жестокой силы, власти. И Петербург не тот, покоряющий художественным совершенством и размахом строительной мысли, а угрюмый город – скопление мрачных домов, торговых рядов, заборов. Тревога и беспокойство, охватившие художника в этот период, превращаются здесь в настоящий крик о судьбе человека в России. Мастер стремится именно к свободному, «раскованному» рисунку. В отличие от первого варианта иллюстраций к «Медному всаднику» он и не помышляет о переводе рисунков в ксилографию, а, напротив, добивается впечатления живого и трепетного движения кисти. Именно на завершающем этапе работы обегающая форму линия приобретает особую экспрессивность и энергию. Она изгибается, обостряет пластику формы, нередко прерывается, исчезает и вновь возникает под взволнованным движением то сочной, то сухой кисти. Тушь ложится отдельными мазками, образует заштрихованные плоскости и глухие черные заливки. Художник достигает впечатления непринужденного артистизма и импровизационной легкости. Труд и пот многолетних исканий остаются в папках, спрятанных в мастерской. Перед зрителем — только результаты, данные в виде художественных выводов. Вместе с тем рисунок кистью как специфическая графическая техника получает здесь, пожалуй, виртуозное развитие, оказываясь способным успешно соперничать с ксилографией.

СОМОВ (1869-1939)

Основные концепции и изобразительные принципы «Мира искусства» зарождались лишь в творчестве наиболее одаренных художников. Таким был К.А. Сомов, вначале деятельности объединения, именно, ему принадлежит роль ведущего мастера и открывателя новых путей.

Характерной особенностью этого художника была ранняя, почти преждевременная зрелость. Его лучшие произведения созданы в годы молодости. Расцвет творчества художника падает на 1890-е – 1900-е годы.

Сомов работал сериями: «Фейерверки» « Фейерверк в Монплезире», «Арлекин и дама»

Большинство работ художник выполнял акварелью, гуашью и пастелью. Так он смог передать утонченные позы своих героев, застывших в кринолинах на картинах «В августе» (1898), «Вечер» (1900-1902), «Остров любви» (1900). Но даже в небольших акварелях все чаще проявляется монументальность и продуманность композиции. Нарочитая театральность жанровых сценок передавала некую условную эпоху с костюмированными балами, фейерверками, любовными сценками, прогулками дам и кавалеров. Атрибутика мира героев Сомова традиционна: парк, водоем, кавалер и дама.

Лирическое чувство Сомова, свойственное ему пониманию исторической темы и, наконец, его изобразительные приемы выступают в развитом виде. В работах Сомова нет ни сюжетов, ни характеров, ни драматического действия. Персонажи «театрализованной сцены» занимают художника не больше, чем аксессуары и обстановка, в которой они находятся. Люди, как пердметы, интересны ему лишь как выразители духа ушедшей эпохи, носители её исчезнувшей красоты, её внутренней гармонии и поэтической цельности – иначе говоря, всего того, что он тщетно искал бы в окружавшей его реальной жизни. По убеждению Сомова современность уродлива и антиэстетична, красота присуще только прошлому.

И всё же при всей любви к старине Сомов был далек от наивной идеализации прошлого. Он любовался эстетическими формами жизни 18 века, он воссоздавал её с такой силой достоверности, какая доступна лишь непосредственному очевидцу или очень глубокому знатоку, одаренному острой интуицией, но вместе с тем, не терпя критического отношения к невозвратимому минувшему. Любование прошлым как бы сплетается здесь с едкой и разрушительной иронией.

Сомов не был живописцем и колористом, хотя и обладал тонким и развитым чувством декоративной гармонии цвета. Он мыслил не живописно-пространственными, а скорее декоративно-графическими категориями. В основу всех его работ положен строгий и точный линейно-контурный рисунок, смело обобщающий натуру, а иногда превращающий реальную форму в почти беспредметный орнаментальный арабеск. Определив силуэт и внутренние контуры, художник тщательно моделировал объем, а затем раскрашивал свой рисунок, заполняя композицию плоскостями цвета, иногда локально, но чаще объединенного общей тональностью. Техника живописи Сомова с мелкими слитными мазками, образующими как бы эмалевую поверхность, восходит к традициям искусства 18 века, в духе которых, художник стилизовал свои картины.

Особое место в творчестве художника занимают портреты многих известных людей, представителей творческой интеллигенции начала XX в., — А. Блока, М. Добужинского, В. Иванова, Е. Лансере, Ф. Сологуба. В основном портреты выполнены карандашом в манере рисовальщиков XVII в., четкими штрихами с чуть заметной растушевкой, в них художник тщательно прорабатывал сам портрет и легкими линиями намечал очертания фигуры. Изображение Блока не имеет никакого отношения к излюбленному Сомовым ретроспективному жанру. Напротив, он пугающе точен в своей психологической характеристике и натурной убедительности, как и удивителен виртуозной техникой. Ровный, холодный свет направлен прямо на лицо поэта, освещая его красивые, но неподвижные черты, в которых таится усталость и душевная надломленность. Художник не проявляет личного чувства к своей модели, с холодной проницательностью он создает драматический образ современника.       Облик Блока на портрете художника Сомова открывает его "надмирность", отделенность от сущего. Он осенен поэзией и испепелен страстями, властен и холоден. Как из бронзы высеченное неподвижное лицо, окруженное нимбом волос, живые губы и нездешние, ледяные глаза. Это голова бога, стыдящегося грязи вокруг себя. В том, что это не субъективное отношение художника к Блоку, убеждают воспоминания Ю.П.Анненкова, создателя лучших иллюстраций к поэме "Двенадцать": "Навстречу нам вышел хорошо известный сомовский рисунок: высокого роста, стройный. Блок был одет в темно-коричневую художественную блузу, из-под которой выступал белый мягкий отложной воротник рубахи. Несколько удлиненное, спокойное, чисто выбритое лицо, чуть-чуть высокомерный, а может быть, потусторонний взгляд; светлые волосы курчавым полукругом окаймляли высокий лоб".

Сомов повлиял на многие изобразительные жанры, которыми занимались художники «Мир искусства». Все они, в той или иной мере, развивали и перерабатывали сомовскую систему творчества.

Используемая литература

Всеволод Петров, «Мир искусства», изд. Изобретательное искусство, 1975г.

http://hallart.ru

http://gallerix.ru/album/Somov

http://www.bibliotekar.ru/kSomov/

http://www.bibliotekar.ru/kBenua/


See also:
Для студента
Похожие записи

Комментарии закрыты.